Si vous n’avez pas lu le premier épisode, je vous conseil vivement de cliquer sur ce lien afin de ne pas voir la fin avant le début, ce serait quand même dommage.

J’en étais donc à vous montrer toutes les recherches de “speed shape” et le développement qui s’en est suivi, nous pouvons donc maintenant passer à la finition. Pour avoir un meilleur aperçu de ce que rendra l’objet une fois terminé, on fait des roughs à l’aide de marqueurs, les fameux Copic Japonais bien sur.

Ces rendus les plus réalistes possibles sont généralement mis en valeur par des fonds dynamiques dont les designers Japonais sont toujours friands, bien qu’en Europe ça commence vraiment à disparaître.

Mais la perfection des contours d’une forme ne peut être atteinte que grâce à des plans techniques en deux dimensions d’une précision maximale.

Et lorsque tout ça est terminé, on peut enfin attaquer la maquette de cette “speed shape”, d’abord en taillant la forme au papier de verre directement dans un bloc de mousse, puis ensuite en enduisant de mastic cette mousse et en ponçant de nouveau pendant des jours entiers afin d’avoir une surface parfaite. On bouche les trous avec une sorte de pâte grise qui durcit, on re-ponce et après une couche de “surfacer” la maquette est prête à être peinte.

Le dernier travail consiste à prendre les plus belles photos possible du résultat avec de chouettes effets de lumière et un environnement neutre. J’ai choisi de peindre ma “speed shape” dans un violet brillant aux reflets rosés, c’est original et très réussi m’a t on dit.

Mais comme j’aime bien ma “speed shape”, j’ai voulu lui donner un nom et lui créer un logo, elle s’appelle donc “Kuitsuku”, adaptation de l’anglais “Quick” traduit en katakana, ces petits idéogrammes qui servent à écrire en Japonais un mot d’origine étrangère en se basant uniquement sur les sons des syllabes.

Au Japon, les cursus d’études en design automobile incluent toujours un projet de “speed shape”. C’est un travail individuel qui permet au designer de créer une forme basique en lui donnant un fort aspect de vitesse, selon sa propre vision du dynamisme et de réaliser ensuite cette forme en volume afin de ressentir réellement et avec précision les lignes et les surfaces qu’il a voulu exprimer. J’ai eu la chance de pouvoir expérimenter ce travail en compagnie de deux autres étudiants du PID de Kazuo Kawasaki, c’était vraiment passionnant et complètement différent de ce que j’ai pu apprendre à l’ISD, une très bonne expérience visiblement incontournable pour chercher un emploi dans le design au Japon. Ce projet m’a occupé pendant tout le mois d’août, et j’ai maintenant décidé de vous faire partager tout ça par étapes afin de vous montrer toute les phases par lesquelles on doit passer avant d’arriver au résultat final. Commençons donc d’abord par la traditionnelle phase de recherche qui n’a pas vraiment de direction précise, il faut essayer plusieurs idées, explorer de nombreuses voies pour pouvoir tomber sur quelque chose d’intéressant puis développer ensuite les idées retenues. Un maximum de dessins pour un maximum d’idées différentes dont voici une petite sélection.

Après toutes ces recherches, c’est finalement ce dessin qui a le plus retenu l’attention des autres membres de l’agence mais aussi de moi même, j’ai donc décider de développer ce croquis.

Cette forme assez complexe à la base fût donc simplifiée tout en conservant l’asymétrie et l’avant dédoublé qui se rejoint à l’arrière puisque ces deux idées étaient les plus originales et appuyaient le dynamisme de cette “speed shape”.

Puis pour finir, il a fallu fignoler le choix des lignes, des surfaces et des volumes en prévision de la suite du projet.

La suite demain si j’ai le temps parce que en ce moment les journées sont chargées, la fin approche et ça se sent !

Il y a une petite dizaine d’année, Toyota s’est rendu compte de son absence sur le marché des voitures citadines au design fort et novateur. Pour attaquer ce type de catégorie sans risquer de nuire à son image en cas d’échec, une marque a donc été créée avec un nom futuriste : Will. En effet le but était de commercialiser des bases et des moteurs Toyota habillés d’une carrosserie au style toujours créatif, unique et avant-gardiste, en un mot faire du jamais vu dans le design automobile. La première tentative est donc très étrange, on aime ou on déteste, personne ne peut rester indifférent à la vue de cette auto nommé “Will Vi” qui a une vitre arrière incurvée façon Citroën Ami 6, une découpe des portières massacrée ou encore des surfaces simples marquées par des arrêtes franches. C’est sorti il y a 10 ans, ça nous parait maintenant un peu dépassé mais en se remettant dans le contexte et en se disant que ça choque toujours autant de nos jours on peux se dire que Toyota a réussi son paris, cependant les ventes n’ont pas vraiment été à la hauteur de ce style si particulier.

Qu’à cela ne tienne, Toyota dota la jeune marque Will d’un second modèle en 2001 qui changea radicalement de style au point de devenir une référence qui inspirera d’autres grand constructeurs de l’époque comme Opel ou Renault. Cette “Will Vs” adopte une ligne très sportive, des lignes marqués et dynamiques tant sur les ailes qu’au milieu, des vitres petites et profilées et des surfaces simples qui courent de l’avant vers l’arrière sans interruption. Les designers l’ont d’ailleurs avoué, leur inspiration principale était le furtif et surfacique avion de chasse américain F-117. Cette fois, la réussite du design était flagrante et cette voiture que j’adore a séduit de nombreux fans au Japon, seul pays où les Wills sont commercialisées. Malgré son succès, ce modèle ne fût produit que jusqu’en 2004 et ne sera pas remplacé, seulement 4000 “Will Vs” sont sortie des chaînes de montage, c’est donc une rareté dont les quelques propriétaires sont fier d’utiliser au quotidien.

Puis après ce glorieux épisode de design made by Toyota (comme quoi quand on veut on peux) un troisième modèle apparu, lui aussi unique et différent de ses prédécesseurs. Il s’agit de la “Will Cypha” avec ses grands passages de roues bien galbés, ses phares avant verticaux et ses roues qui paraissent toutes petites. Je pense que le constat est exactement le même que pour la “Will Vi”, soit vous la voulez soit vous vomissez mais avouez que l’originalité est au rendez-vous et que quand on croise ça dans la rue, on est sur et certain d’être au Japon. Serais ce donc le pays où rien n’est impossible ?

Et oui, j’en rêvais depuis un bon moment, passer une nuit dans une capsule, mais comme il n’y en a qu’au Japon, il a fallut patienter. C’est donc lors de ce week end à Tokyo que j’ai pu enfin tester ces hôtels très particuliers au design si minimaliste et pourtant si bien pensé. En effet, j’ai réservé ma capsule dans le seul “caps hôtel” du quartier d’Akihabara, que je voulais absolument voir aussi car c’est LA place mondiale de l’électronique et de tout ce que les geeks adorent en général. Voici d’ailleurs un petit aperçu d’Akihabara pris hier de nuit, malheureusement ce soir il pleut, je visiterais donc plus en détail ce quartier demain matin.

Partons donc à la découverte d’un capsule hôtel, voici l’entrée de celui d’Akihabara, et vous pouvez constater qu’il faut enlever ses chaussures dans le hall et les ranger dans un petit casier prévu à cet effet comme c’est de coutume au Japon.

Dirigeons nous ensuite vers les “chambres”, ou plutôt les capsules, puisque celle ci ont une surface d’exactement 2 mètres sur 1, pour 1 mètre de hauteur, et sont donc superposées en deux rangées. Il est bien évident que dans une telle configuration, c’est assez convivial, on entend les voisins ronfler ou regarder la télé, c’est très cool.

Hé oui parce que dans une capsule il y a tout, télé, radio clim et réveil, tout ce qu’il faut pour passer une bonne nuit quoi. En plus tout est réglable et centralisé via un panneau de commande qui permet même de régler l’intensité de la lumière, très pratique pour les matins difficiles (mais un matin au Japon est toujours difficile). Bref c’est le luxe, on se croirais presque dans une navette spaciale parfois.

Un petit apperçu de l’interieur, c’est simplissime, une couverture  pas trop éppaisse et un oreiller avec des petites billes de bois ou de plastique dedans, c’est un peu étrange, ni dur ni mou, mais on dort bien dessus quand même. Sur la droite vous pouvez aussi voir que chaque capsule est équipée d’un miroir …

… sans doute pour s’assurer qu’on ne fait pas un cauchemar lorsqu’on voit ça en se réveillant le matin.

A part ça tout est fourni, un casier pour mettre ses bagages, deux brosses à dents, savon-shampoing, peignoir et serviettes, et les douches sont communes. D’ailleurs le mythe en prend un coup, ce n’est pas vrai, les Japonais n’ont pas spécialement des petites … Ok changeons de sujet, je n’ai pas de preuves photographiques à vous montrer, mais en tout cas, si je peux vous faire parvenir toutes ces autres photos aussi vite, c’est parce que le wifi est fourni gratuitement dans ce capsule hôtel, la preuve en image cette fois.

Voilà, vous savez tout de ce fameux capsule hôtel d’Akihabara, ça confirme tout le bien que je pensais de ce type de logement, très design, très pratique, et des prix imbatables puisqu’il m’en aura couté que 4000 ¥ par nuit alors que je suis en plein centre de Tokyo, la ville la plus chère du monde, et même si ce n’est pas demain la veille, moi je dit : “vivement que ça arrive en France ces trucs là” !

Hier, je me suis dit qu’il fallait que j’aille visiter le parc commémoratif de l’exposition universelle qui à eu lieu à Osaka en 1970. Ce parc appelé “Bampaku Kinen Koen”, est situé dans la ville de Suita, où je loge et où je travail, puisque je passe tous les jours devant et que j’en fait même le tour grâce au monorail. Ce sont plus de 64 millions de personnes qui sont venu voir cette exposition de mars à septembre 1970, un gros succès donné comme une réponse aux Jeux Olympiques de Tokyo organisés en 1964, prouvant qu’Osaka est aussi une ville “qui en veut !” Ci dessous une vue aérienne des différents stands de l’exposition, la mode était bien sur au couleurs vives et aux formes tordues ou futuristes.

De nos jours, les stands ont disparus et la végétation ne s’est pas faite priée pour reprendre ses droits, cet espace est devenu un parc à l’entrée pas chère (250¥) et aux multiples thèmes, quelques musées se sont même implantés dans l’enceinte du parc. Le seul rescapé de cette exposition universelle se nomme “Taiyo No To”, ce qui signifie “La tour du soleil” en Japonais. C’est une sculpture monumentale, emblème de cette Expo 70, créée par l’artiste Japonais Tarô Okamoto, et qui est depuis devenue un symbole fort de la ville d’Osaka. Mesurant 70 mètres de hauteur avec des bras de 25 mètres et une coupole dorée au sommet qui fait 11 mètres de diamètre pour une base ronde de 20 mètre de diamètre, c’est un objet qui est plutôt imposant. Et comme je suis passé deux fois devant, à l’entrée et à la sortie, j’ai pris deux photos à environ 3 ou 4 heures d’intervalle.

Cette sculpture est composée de trois visages, celui du haut représente le futur, celui de devant représente le présent et celui au dos représente le passé. L’intérieur est creux, une autre sculpture pleine de symbole y est placée et il était possible d’y entrer lors de l’exposition, mais ce n’est plus possible maintenant. Les portes n’ont été rouverte que deux fois depuis l’Expo pour 1970 personnes triées sur le volet le 12 octobre 2003, la veille de mon entrée à l’ISD, ça ne s’invente pas, puis ensuite pendant environ trois ans avant une nouvelle fermeture pour cause de rénovation. Il est quand même prévu de rendre l’accès libre à l’intérieur de Taiyo No To en 2010, lorsque seront célébrées les 40 ans de l’exposition universelle d’Osaka, et avec un peu de chance j’y serais encore ^^

Et j’imagine que vous l’aviez bien sur tout de suite reconnu puisque cette sculpture figure en bonne place sur la banderole de mon blog. Mais comme toujours au Japon, le graphisme se déchaîne, surtout sur les symboles ou les œuvres d’art, Taiyo No To n’a donc pas échappé à la règle et se voit dessiné à toutes les sauces. En voici une petite sélection, style crayonné, étonné, bébé, ou simplement rigolo.

Au Japon, le graphisme est partout, et surtout dans la rue ou les lieux publiques. Plus simple à comprendre que des mots, surtout pour les étrangers, et aussi un style rigolo qui permet sans doute de détendre les zygomatiques des usagers. Voici donc quelques panneaux incluant des petits personnages  dans des situations parfois étranges. Tout d’abord, les classiques recomandations dans les assensseurs, ne pas se pincer les doigts dans la porte, ne pas laisser tomber d’objet ou se prendre les pieds en sortant comme cette bien pauvre mamie.

Vient le tour des zones interdites, un gros policier qui dit gentillement “Stay out of here” ou bien un chef de chantier qui barre le passage valent mieux qu’un long discourt.

Ensuite, quand les Japonais doivent faire un pictogramme incluant une voiture, ils ne se contentent pas de dessiner tout simplement un profil tricorp sur deux roues, ils préfèrent les belles voitures de sport, c’est quand même plus chouette, comme le montrent ces panneaux pour signaler la protection des voitures de ce parking par une barrière électrique ou bien une interdiction de stationner.

Et pour finir, deux bonshommes rigolos,  le premier qui rappelle à la sortie d’un restaurant la tolérance zéro en vigueur au Japon concernant l’alcool au volant, et le second indique la zone où on doit déposer les poubelles dans mon immeuble. A part qu’il y a plusieurs signes fort comme la baguette magique, la queue de diable, le bonnet de père Noël ou un nœud papillon, ne me demandez pas la signification du panneau, j’ai aussi du mal à comprendre parfois.